domingo, 22 de abril de 2018

Arte y fútbol no van de la mano




Arte y fútbol no van de la mano

 En esta entrada me voy a parar a analizar diferentes casos de camisetas de fútbol que han intentado ser un ejemplo de modernidad y han terminado siendo un auténtico desastre. Me centraré exclusivamente en las del siglo XXI, porque las anteriores me dan dentera. Bueno, voy a hacer una excepción y os mostraré una imagen de la camiseta del portero uruguayo Aurrecoechea, del club Merlo argentino.apodado "el Vasco". Terrible, terribilísmo diría yo. No por ser un mal guardameta, sino por el diseño de su indumentaria (1999). Vean.

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¿Quién no ha soñado alguna vez saltar al campo con una camiseta de Krusty, el payaso? Si yo he soñado alguna vez, estoy seguro de que sería una pesadilla. Pues, parecerá una tontería, pero estas camisetas suponen un gasto enorme al conjunto argentino. Por un lado, el diseño es de un diseñador de moda, y únicamente realizar el diseños supone gastos superiores a los 1000 euros; por otro lado, Krusty es un personaje con derechos d autor de Matt Groening (el creador de Los Simpsons) y eso también supone una importante inversión. Todo para hacer esta horrenda indumentaria. Sin más, me quedo sin palabras.

Siguiente equipación. Un uniforme para vestir de etiqueta, procedente de la tierra de la cecina y del pintxo pote a lo grande: León. Con la siguiente equipación se presentó la cultural en el aniversario de su fundación. Encima, aquel año se esperaba subir a segunda división, debido a su buena plantilla y una nueva economía saneada del equipo. Al final se tuvo que conformar con un 8 puesto y miles de camisetas vendidas.
                                    Resultado de imagen de camiseta cultural leon

Elegante donde las haya, el artista que diseñó este ropaje tuvo que retorcerse de rabia tras ceder los derechos de imagen al club, ya que nunca antes en la historia de la Federación Española de Fútbol se había tenido que crear una lista de espera para adquirir la mencionada camiseta. Ni siquiera la del pulpo del Lugo o la del Guijuelo C.F con fondo de jamón han podido hacerle sombra al smoking castellano. Un club que, por cierto, el día de su 50 aniversario (Jugó contra el Atlético de Madrid) obsequió a los asistentes con un bocadillo de su embutido estrella. 

Resultado de imagen de camiseta jamón          Resultado de imagen de camiseta pulpo lugo


Por último, y no menos importante, os presento una indumentaria que todo bilbaíno que se precie debería conocer en cuanto la viera. Efectivamente, me refiero a la camiseta del ilustre pintacuadros plástico Darío Urzay (he llegado a pensar que era guipuzcoano, porque uno de Bilbao no puede hacer semejante estropicio), también conocida como "la del Ketchup". Solamente fue utilizada durante un encuentro oficial, en un partido de UEFA. El Athletic vio que no causaba furor, sino todo lo contrario, y decidió no utilizarla nunca más. Esto sentó como un tiro al artista, que denunció al club rojiblanco y consiguió quitarles los derechos de autor. Derechos que no le interesaba mucho, porque casi le suponía más gasto que beneficio. Por si hay algún curioso que quiera ver la obra original, aviso que se encuentra en el museo Artium de Vitoria, junto a un ejemplar de la camiseta.

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Mikel Basterretxea

sábado, 21 de abril de 2018

ARTE GLOTÓN


El otro día viendo master chef me di cuenta que con la comida se puede hacer arte, solo con unos pocos ingredientes o muchos varia depende de la obra que vayas a hacer, por ejemplo un artista japonés talla plátanos para hacer figuras y dibujos en 3D, cosa que es sorprendente como antes utilizaban lienzos descomunales para pintar un cuadro.
Ahora simplemente necesitas un cúter y un plátano u otra fruta para crear arte en tu propia casa, pero a la vez que eso hay técnicas más complejas como la esterificación que se basa en la química para convertir simples líquidos en bolitas similares al caviar pero con otros líquidos lo que te permite crear una gran variedad de recetas permitiendo que sea una delicatesen a la altura de los más exigentes.
Algún día me gustaría poder hacer las esterificaciones para alguna receta o por lómenos dejar una huella en la cocina haciendo arte.Resultado de imagen de arte con esferificacion


jueves, 19 de abril de 2018

"LAS MENINAS URBANAS "


LAS MENINAS URBANAS:


Desde el viernes pasado se pueden ver figuras de Las Meninas, el famoso cuadro de Velázquez , en las zonas más transitadas de Madrid. Estas figuras pretenden servir cómo atracción turística sin dejar de un lado la importancia que tienen en la historia del arte.

Cada menina, está fabricada en fibra de vidrio y mide 1,80 metros. En total, hay 80 meninas distribuidas por los sitios más icónicos de Madrid. Lo peculiar de estas figuras es que cada una está pintada por un artista diferente. Lo que se pretendía con estas figuras es que el artista expresase en su figura lo que él pensaba sobre Madrid.

Estas figuras estarán en Madrid hasta Julio . El ayuntamiento de Madrid , va a poner en marcha una serie de rutas turísticas para que se puedan visitar todas.  Cuando acabe esta exposición, las meninas se van a subastar y todo el dinero que se saque se va a dedicar a organizaciones como Fundación Aladina, Fundación Créate y Fundación Alenta.

Por otra parte, el ayuntamiento de Madrid ha habilitado una página web en la que los visitantes pueden valorar cuál de las figuras es la que más les gusta. Al final, se hará un recuento de votos y se premiará al artista que haya realizado la obra ganadora.

Por último, os animo a visitar estas obras si algún día tenéis ocasión de ir a Madrid. Aquí os dejo un pequeño adelanto para que os sirva de orientación.

RAMÓN ZABALBEITIA


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martes, 17 de abril de 2018

LAS CUEVAS DE ATXURRA


LAS CUEVAS DE ATXURRA:

Las cuevas de Atxurra en Berriatua son el yacimiento arqueológico vasco con mayor número de grabados. En total, cuenta con 113 representaciones de animales. La mayoría de estas representaciones son de bisontes y de caballos. En los últimos años también se han encontrado figuras de cabras y de ciervos.

Lo impresionante de estas pinturas es lo bien que se conservan hoy en día después de haber pasado tanto tiempo. Esto, ha sido gracias a la constante atención que ponen los arqueólogos por controlar la temperatura y la humedad de la cueva.

Hace poco, se han encontrado restos de cenizas y de carbón. Los arqueólogos han pensado que estos materiales habrían sido utilizados por los artistas para difuminar las figuras y sombrearlas.  Esto, sirve a su vez para demostrar que el arte lleva con el ser humano desde el principio de los tiempos.

También se cree que los artistas se ayudaban de lámparas y de antorchas para poder iluminar las imágenes mientras las estaban pintando. De esta forma usaban el foco de luz para realizar las sombras y los pequeños detalles. Prueba de ello, son las cuatro antorchas que se han encontrado compuestas de enebro y roble.

Por último, os animo a visitar estas cuevas ya que tienen unas pinturas que son espectaculares y no hay mejor manera de comprobarlo que yendo a verlas. A continuación os dejo una serie de imágenes para que os puedan servir de adelanto.

RAMÓN ZABALBEITIA


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viernes, 13 de abril de 2018

Mujeres artistas...

Las mujeres en el arte nunca han sido muy notorias, y no se han visto mucho por  razones diversas, algunas desconocidas y otras incomprensibles. No es fácil encontrar nuevas noticias acerca de artistas descubiertas, o diversas obras. Pocos de nosotros sabemos que hay más artistas femeninas de las que conocemos , e increíblemente buenas e interesantes.
Pero... yo me voy a centrar en las principales artistas del romanticismo, realismo y neoclasicismo, ya que al haber estudiado estos tres temas en esta evaluación y saber las características de cada una de estas etapas, podría ser entretenido ver obras nuevas de pintoras realmente admirables.

Primero, voy a hablar del realismo, en el que podemos encontrar a una gran pintora finlandesa representante del Naturalismo y Realismo llamada Elin Danielson-Gambogi.  Ésta pintó varias obras en las que destacan:  Portrait of Walborg Jakobsson (1900) (1), Self-portrait (se retrató ella a si misma) (2) y In the Vineyard (3).

(1)                                     (2)                                  (3)
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En el realismo, también podemos encontrar a  Rosa Bonheur que fue una pintora francesa que especializó en la representación de animales en la etapa del realismo.Una CURIOSIDAD sobre Rosa, fue que tuvo que solicitar a las autoridades policiales la autorización para vestirse de hombre, o más concretamente, llevar pantalones para poder asistir a las ferias de ganado donde tomaba apuntes de todo la naturaleza.

                                                        Terneros, 1879                                Feria de caballos, 1853
Resultado de imagen de Rosa Bonheur

Pasando al romanticismo, está Marguerite Gérard una pintora francesa, que tan solo tiene un cuadro conocido que es:

"Duerme mi niño", y se desconoce la fecha en la que pintó la obra,


También podemos encontrar a Marie-Louise-Élisabeth Vigée-Lebrun que fue la pintora francesa más famosa del siglo XVIII y una de las retratistas más demandadas de su época. Hoy en día, su pintura está presente en un centenar de museos de 20 países. Pintó 67 retratos durante los 6 años de exilio en Rusia. Durante sus viajes, se convirtió en miembro de las Academias de Florencia, Roma, Bolonia, San Petersburgo, y Berlín. Esta artista es una de las únicas que dejó escritas las memorias sobre su vida.

Retrato Marie-Louise-Élisabeth Vigée-Lebrun                                           Retrato de Maria Antonieta

                             

Por último, está la etapa del neoclasicismo, en la que se pueden apreciar varias artistas, como Angelica Kauffmann, una pintora sueca que también se centró en la etapa del rococó, que tuvo una vida demasiado ajetreada, y llena de acontecimientos.

Ariadna abandonada por Teseo, 1774




Jana Álvarez 

martes, 10 de abril de 2018

Una imagen vale más que ¿mil palabras?





Una imagen vale más que ¿mil palabras?


Los tiempos han cambiado,eso no lo duda nadie. Ya no nos dedicamos a pintar retratos de reyes de vete tú a saber que lugares o épocas, ahora todo es mucho más sencillo (a la vez que curioso). Son pocos los artistas realistas que quedan hoy en día, y por eso hago hoy esta redacción, para analizar el arte desde un punto de vista muy habitual: el iletrado artístico.

Si alguien ha leído entradas anteriores, se dará cuenta (espero) de que no soy muy afín a lo que los entendidos actuales denominan arte. No me va eso de coger tres rocas, juntarlas y decir que es un retrato del mismísimo Orson Welles. ¡ORSON WELLES! El actor de películas tan míticas como Ciudadano Kane o El tercer hombre fue así retratado por Eduardo Arroyo, el retratista español por excelencia:






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¿Qué os parece? Una auténtica joya escultórica, tesoro donde los haya.
¡¿Qué diría el intérprete si levantar la cabeza?! Es probable que se quedara de piedra.

Se nos ha ido de las manos esto del arte. No hay más que acercarse al Museo de Bellas Artes de Bilbao. Con el Guggenheim no me voy a meter mucho...solo un poquito. El motivo del título de la redacción está inspirado en una de las obras fijas expuestas en la sede bilbaína de la franquicia americana. Sí, es por esas barras con letras o códigos en luces de neón que ocupan paredes de la planta inferior del museo -al final os dejo una foto-, que puede llegar a marear. Yo me he preguntado varias veces cuánto pudo gastarse alguien en una cosa como esa. No he encontrado respuesta, pero supongo que bastante. Al ver algo así, es muy probable que pensemos "Menuda m*****, eso lo hago yo también". Efectivamente, eso lo puedes hacer tú también, pero ahí es donde viene mi defensa hacia el colectivo de artistas modernos: si tan fácil es, ¿por qué no se te ha ocurrido antes? Es evidente, lo que hace a estas personas especiales no es su habilidad manual, sino su capacidad creativa, que es el motor de sus obras. Luego está lo de la idea que se quiere transmitir, sobre eso no me atrevo a decir nada, ya he dicho que soy un inculto de esta materia. 

En fin, animo a la gente a que esculpa o pinte cosas para transmitir lo que piensan o simplemente lo que les apetezca. Puede resultar un poco hipócrita que estas palabras salgan de alguien que no lo hace y que probablemente no lo haga, pero es lo que hay. Como bien dice el encabezado de esta carta, una imagen vale más que mil palabras.

Mikel Basterretxea.


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lunes, 19 de marzo de 2018

Gustave Courbet



Gustave Courbet fue un pintor francés, fundador y máximo representante del realismo que nació el 10 de junio de 1818 en Ornans, Francia.

Sus padres querían que estudiase la carrera de Derecho, pero al llegar a París se centró en el arte. En 1840, realizó en el Museo del Louvre, sus primeras copias de grandes maestros de la pintura.  Frans Hals y Rembrandt fueron dos pintores que le marcaron profundamente. En 1855 expuso algunas de sus obras en el Palacio de las Artes de la Exposición Universal de París, pero al ver el rechazo del jurado hacia algunos de sus cuadros decidió inaugurar una exposición individual. Entre las obras que exhibió en dicho lugar cabe mencionar El taller del pintor, en el que retrataba a todas las personas que habían ejercido cierta influencia en su vida.​ Fue uno de los artistas más influyentes en Francia. Murió en La Tour du Peilz, víctima de una cirrosis producida por su consumo abusivo de alcohol.



En sus inicios se dedicó a la pintura de paisaje, pero a partir de 1849 se pasa a la corriente realista . Se le considera uno de los fundadores de esta corriente artística. En la mayoría de sus obras elige temas costumbristas. Los artistas con los que se reconoce y a los que admira son :Velázquez, Zurbarán o Rembrandt. Algunas de sus obras más famosas son : Entierro en Ornans y El taller del pintor.

"El Entierro en Ornans" está realizado al óleo sobre lienzo. La obra, fue pintada en 1849.  En esta obra, Courbet pinta con el máximo realismo el funeral de su abuelo materno. Courbet otorga una luminosidad individual a cada uno de los personajes remarcado su presencia como individuos reales. Entre todas las personas presentes en el cuadro ( unas 40 más o menos) , Courbet se retrata a sí mismo en el extremo izquierdo. En la obra los personajes están estructurados dependiendo a qué clase social pertenecieran . Por eso  los representantes de la Iglesia se representan a la izquierda, los hombres en el centro y las mujeres a la derecha. Destacan las vestimentas de color rojo de los representantes de la iglesia en comparación con las demás personas.

                            

Otra de sus obras más importantes es "El taller del pintor". La obra está realizada en óleo sobre lienzo. El artista realizó la obra entre 1854 y 1855. La obra representa el taller del artista y las figuras representadas son alegorías de la trayectoria artística del pintor.
En la zona central aparece una escena paisajística mientras a su espalda una mujer desnuda reclama su atención .
El conjunto se completa con la presencia de un gato blanco y un niño.
Se puede apreciar como la luz entra por la ventana y que cada vez que los personajes están más al fondo, están más oscurecidos.
Los colores que predominan en esta obra son los oscuros (pardo, negro y gris), salvo en las zonas iluminadas, sobre todo las figuras centrales (verde del paisaje, la car ne pálida del personaje femenino, las telas y el gato a los pies del pintor)